Andrea Mantegna, "primor pictor del mondo" : Le génie de Mantegna, par Keith Christiansen

L'exceptionnelle exposition Mantegna vient à peine de commencer que le Louvre entame une série de conférences complémentaires sur la personnalité artistique du peintre et le jugement de son œuvre à travers les siècles. On se souvient des précédents très positifs, autour de Primatice en 2005 puis de l’art vénitien du XVIe siècle l’année suivante, aussi bien par la diversité des intervenants que la qualité pédagogique de leurs propos. Le nouveau cycle, commencé lundi 29 septembre pour se terminer le 27 octobre 2008, s’annonce tout aussi prometteur_ et d’ailleurs, l’auditorium du Louvre a fait salle comble...

C’est à Keith Christiansen qu’est revenu l’honneur de prononcer la première conférence. Conservateur de longue date au Metropolitan Museum of Art de New York, ce spécialiste reconnu de l’art des Temps modernes a participé à de nombreux grands projets du musée américain ces dernières décennies, le dernier en date étant l’exposition Poussin and Nature Arcadian vision au printemps dernier (en collaboration avec l’incontournable Pierre Rosenberg pour un tel sujet). On lui doit aussi des travaux sur Caravage, la peinture siennoise du XVe siècle ou Orazio et Artemisia Gentileschi, ainsi qu’un article fouillé sur l’iconographie déroutante d’une Vénus et Cupidon de Lorenzo Lotto, entrée dans les collections du Metropolitan en 1986. Concernant Mantegna, Keith Christiansen est l’auteur d’un ouvrage publié en français sous le titre Andrea Mantegna Padoue et Mantoue, chez Hazan en 1995, faisant suite à son commissariat de la dernière rétrospective Mantegna organisée à Londres et New York en 1992.

L’exposé de Christiansen a porté sur la spécificité de l’artiste à son époque, notamment par les réactions de ses contemporains devant ses créations. Avec Giovanni Santi (père de Raphaël) exaltant un artiste universel, le poète napolitain Sannazaro décrivant un peintre génial au-dessus des autres ou le duc d’Urbino Federico de Montefeltro se trouvant « stupefatto » devant ses œuvres, il est clair que l’excellente fortune critique de Mantegna commença de son vivant.

Mais quelles sont donc les raisons précises d’un tel engouement ? Le spécialiste américain décèle dès les premières œuvres de Mantegna les dispositions ingénieuses qui lui vaudront son renom. Dans les fresques de la chapelle Ovetari (hélas ruinée pendant la seconde guerre mondiale, et qui fera l’objet d’une conférence lundi prochain) lors des débuts à Padoue, le peintre se livre à une véritable mise en scène cinématographique, si l’on en croit Christiansen : la tête de saint Jacques sur le point d’être décapitée est placée de telle sorte que le spectateur s’attende à ce qu’elle tombe à ses pieds après l’exécution, tandis la scène de la conversion de Josias rappellerait le plan de caméra fixe des plus grands cinéastes. Il y a une certaine tendance, parfois irritante, de comparer les génies de la Renaissance aux grands noms du septième art, mais l’analogie marche plutôt bien dans le cas de fresques prenant toujours en compte la position du spectateur.

Toujours dans le domaine de la peinture décorative, Christiansen n’a pu faire l’impasse sur la Chambre des époux, véritable mise en scène de la famille Gonzaga dans leur palais ducal de Mantoue : cette célébration habilement orchestrée d’aristocrates a fait l’objet d’une comparaison pour le moins audacieuse avec Les Ménines de Velázquez. Bien qu'ils participent à des événements imaginaires, tous les personnages sont reconnaissables, même le chien Rubino sous le siège de son maître... Là encore, la question du spectateur est primordiale, car entrer dans cette pièce revient à se trouver dans un pavillon fictif d'où l'on regarde vers l'extérieur (c'est-à-dire les représentations sur les murs).

L'une des autres grandes qualités artistiques de Mantegna, c'est bien sûr sa capacité à repenser les formules plastiques de la sculpture antique. Ont ainsi été cités la Sainte Famille (Dresde) et l'Ecce Homo (Paris, Musée Jacquemart-André), tous deux présents dans l'exposition, pour leur composition rappelant les portraits funéraires romains. L'un des cas les plus explicites d'hommage à l'antiquité reste le Saint Sébastien de Vienne, avec notamment l'architecture en ruine révélant la grande connaissance qu'avait Mantegna des techniques de constructions des anciens.

En abordant la gravure, Christiansen n'a pas esquivé les querelles sur la part de participation de Mantegna à l'exécution des gravures. L'artiste donnait-il seulement les dessins à des professionnels ou a-t-il manié le burin ? Bien qu'il ne l'ait pas explicitement déclaré, Keith Christiansen a plutôt penché pour la seconde hypothèse, en s'appuyant sur des considérations esthétiques. Comme il est très bien montré dans l'exposition, les gravures mantegnesques sont de qualité très inégale, et peuvent se diviser entre les copies gravées de tableaux du maître et les estampes réalisées sous le contrôle de Mantegna, voire par lui-même. Le chercheur a en effet soutenu sa démonstration par le fait que les plus belles épreuves révèlent une véritable ductilité dans le travail du burin, trahissant la main d'un peintre-dessinateur plutôt que celle d'un graveur professionnel.

Quoi qu'il en soit, la paternité de Mantegna est indiscutable quant à l'invention de motifs et de sujets moralisateurs très critiques. La fameuse double gravure en frise du Combat de dieux marins ne serait rien d'autre qu'une vision de l'envie menant à la folie, tout comme les images de Bacchanales. Dans un dessin autographe inachevé (Londres, British Museum) mais connu sous une forme développée par une gravure, Mantegna livre une vision dure de l'humanité sous le règne de l'ignorance. Keith Christiansen termine ainsi son brillant exposé en soulignant combien le cas de Mantegna (comme d'ailleurs celui de Léonard, a-t-il justement rajouté) montre que notre considération de la Renaissance comme un âge d'or humaniste et optimiste doit être relativisée par des oeuvres aussi critiques sur la société de cette époque, menacée par la bêtise.